« Tu sais je t’ai invité ici parce que tu reviens tout le temps ». Par cette simple phrase, Julia Perazzini nomme les choses et semble énoncer son projet : convoquer les fantômes pour conjurer la peur. Les fantômes ce n’est pas vraiment nouveau au théâtre : rappelez-vous le début de la tragédie d’Hamlet, de Shakespeare, avec cette apparition du spectre du roi défunt qui terrifie les soldats en faction sur l’enceinte du château. Dans la mise en scène que Patrice Chéreau avait proposé d’Hamlet, il avait juché le spectre sur un cheval, renforçant encore le caractère impressionnant de l’apparition. Ici c’est plutôt le contraire, Julia Perazzini ramène son défunt frère autour de la table de famille, elle dépasse la dimension effrayante pour inclure les morts dans un rapport plus quotidien. Ainsi elle dit qu’elle veut « entamer une relation avec toi plutôt que d’être triste quand je pense à toi ».

Dans de nombreuses cultures, le théâtre s’avère espace rituel pour entrer en relation avec les morts :

Ainsi dans Le Fantôme ou le théâtre qui doute, (Actes Sud) Monique Borie analyse le théâtre (le théâtre shakespearien, le nô japonais mais aussi le théâtre d’Ibsen ou de Maeterlinck, celui de Genêt) comme espace offert aux morts qui reviennent à la rencontre des vivants, espace susceptible d’accueillir les fantômes, de se mettre à l’épreuve de leur représentation, tel est le théâtre dont il est question dans ce livre. Voyez comment Julia Perazzini inscrit la création contemporaine dans cette perspective.

L'espace : 
 

Un immense rideau de velours vert couvre presque tout l’espace du plateau. Une mer ? un voile ? un marécage ?

L’actrice arrive au fond, à jardin, et semble regarder l’étendue du tissu. Avant même de prononcer la moindre parole, elle nous montre, par la délicatesse avec laquelle elle se tient au seuil et le franchit délicatement, que l’espace qui s’ouvre devant elle est un espace particulier. Sous doute est-ce pour cela qu’il est recouvert d’un drapé de velours.

« Attends je vais te montrer au fond aussi » ce sont les premiers mots que prononce JP, elle semble vouloir nous indiquer que cet espace, qui est l’espace du théâtre, est le lieu de l’action. Elle prend son temps pour le parcourir, elle veut qu’on le prenne en considération. C’est le temps aussi que notre imaginaire se mette en route. En nous montrons l’espace est vide : elle nous montre aussi le vide laissé dans sa vie par l’absent. Comme elle marche à reculons vers le fond de scène on a l’impression qu’elle remonte aussi le temps, l’espace de la mémoire.

La metteuse en scène a choisi un velours : un tissu qui selon la lumière, peut offrir de nombreuses nuances, de même qu’un aspect doux qui évoque ici le cocon familial. Suffisamment lourd et épais, il est aisément sculptable, il offre des plis et replis propice à évocation. Le velours est aussi un tissu éminemment théâtral, associé à la représentation, une étoffe riche qui rappelle aussi les peintures de la Renaissance. A cette époque, les vanités sont  un genre de représentation très en vogue : ces natures mortes qui, à la manière d’un rébus visuel, associent différents éléments pour adresser un message à celui qui regarde. La mort est souvent le sujet des tableaux et les éléments (un sablier, un crâne…) sont souvent disposés sur une étoffe de velours. Le velours apporte une élégance solennelle, il offre un écrin à la présence précieuse de son frère. C’est un rideau de théâtre récupéré dont elle se sert.

Tout au long du spectacle, elle ne cessera de jouer avec le tissu : elle va le rassembler, s’en recouvrir, l’étendre sur toute la surface ou au contraire le ramasser s’en faire un lit, une cape, un labyrinthe… une cabane d’enfant, une cachette, un manteau de spectre, un linceul. Cet incessant jeu avec la matière du tissu, subtilement éclairé, laisse entendre qu’elle fouille la matière de la mémoire et du temps, qu’à travers les replis, elle perce et malaxe les couches du récit familial et de son imaginaire. A travers ce rituel réparateur il y a aussi comme une invitation à nous remémorer nos propres morts. Le décor est mouvant, des formes naissent, disparaissent : il y a un mouvement, une transformation perpétuelle.

La lumière :

Observez les variations de lumière et comment elles transforment l’espace, les couleurs, voyez comment elle alterne entre un éclairage du quotidien, au présent et le contre-jour, le clair-obscur et même une lumière presque fluorescente évoquant des phénomènes surnaturels, et comment la lumière participe de la dramaturgie.

La présence d’un musicien live à ses côtés accentue le côté rituel.
 
Le vert :

Traditionnellement, le vert est une couleur bannie sur les scènes de théâtre, car cette couleur symbolise la moisissure et ce qui ne dure pas. Si elle n’a plus vraiment cours aujourd’hui, cette superstition a longtemps été de mise, elle remonte au moins au XVIe siècle. Ici, selon l’éclairage elle évoque aussi une dimension surnaturelle. Julia Perazzini se moque visiblement des superstitions : non seulement elle couvre le plateau de velours vert mais elle se revêt elle-même de vert.

Podcast : France Inter - Pourquoi le vert est-il tabou sur les scènes de théâtre ? 

La photo :

C’est la porte d’entrée vers l’espace mental du souvenir, vers l’espace des morts, « Lui c’était Frédéric ». Les photos de famille constituent l’espace du souvenir, une sorte de mémorial familial. Julia les regarde souvent avec son frère et sa sœur, ensemble ils jouent à deviner qui est qui, c’est une façon entre enfants de raconter la filiation. La photo de famille est un genre en soi : selon les foyers, on les trouve dans l’album de famille, dans les cadres accrochés aux murs ou posés sur le buffet, ou même directement aimantées au frigo. A côté des petits cadres argentés, il y a ce « 4e cadre ». La photo est une archive, un témoignage en même temps qu’une preuve de vie. Une façon d’attester de ce qui a été.
 
Le corps :

Le corps est très présent dans le théâtre de Julia Perazzini. Nous avons déjà évoqué la dimension de la voix, mais il faut aussi parler du corps tout entier, de la gestuelle, des mouvements. A l’absence du frère, à son immatérialité, s’oppose la présence de l’artiste, son corps. Un corps vivant, un corps performant, dont on voit bien les contours et la musculature grâce à son costume ajusté, qui s’apparente à une tenue de sport. Chaussée de baskets, elle court en rond sur la scène qui devient comme un terrain de course, on entend son souffle qui s’accélère. Libérée de la voix de son frère mort, elle semble éprouver à nouveau la vitalité de son corps, le mouvement de la vie.